Synopsis "Project" is a piece that shows that a piece is more than just a piece. Initiated by Xavier Le Roy in 1999, it started as an investigation into the relation between production, process, and product in dance and theatre. How does the way we produce determine what we produce? Can we separate the representation of the body from the way this representation came into being? Do our social, political and economical working structures have an impact on our understanding of the body? In which way do they shape, limit and condition the content of our work? Can new modes of production lead to different types of movement and representations of the body? Between 1999 and 2002, E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. took place as an ongoing series of workshops in different places with different people, as a collaborative experiment with the process of process. E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. provided and produced working situations that, questioning, remodelling and reversing all parameters that determine the production, turned the whole process of working into the product itself, doing and reflecting, trying and showing. There was no separation between the object and its context, between action, research, rehearsal, production and public presentation - the ambition was to work on all these parameters at the same time. The notion of games and play became a central tool, topic and method. As performative practices, games offer new perspectives on theatrical as well as social practices. With the ability to affect like no other social field, games are fictitious constructions that at the same time produce a cultural and social reality. These "constructions within constructions" figure as a tool to work on body affects and effect - they provide a ground to work on how bodies are affected by situations and in return effect their establishment - and at the same time constitute a choreographic principle: Games organize movement according to rules. Rules can be used as a means to communicate. They de- and reorganize the constellation of people in a situation that is neither pre-given and fixed (by the choreographer), nor an improvised scene as the sum of individual decisions. The choreography unfolds as a situation that as a composition depends on rules as much as on the individual use of them, on tactics and strategies and thereby on the choices and decisions taken by the individual players. Though composed, it always remains open and flexible. Where the game is choreography and the choreography turns into a game, other de- and reterritorialisations emerge; performers are simultaneously actors, players and interpreters, choreography becomes a mode of doing, seeing and understanding — and, in the space between, something like subjectivity might come into being. From E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. to Project the stage came back in. Project leads the performance back to the dispositi of the theatre,back to the realm of the spectacle where it all started from. Where it began as a questioning of notions like production and product, the dislocation now acts on another level. It extends from the production of the piece to the perception of the piece - its secondary process of production, so to speak. Now the modes of exchange with an audience, the types of perception and the conventions of communication are questioned. So what happens when we watch people playing games in the theater? They play and they play playing, they perform and they perform to perform - the rules of the game and the conventions of theater. What starts as playing a game ends as the game of theater. And yet is it about winning? Dorothea von Hantelmann Credits Conception:Xavier Le Roy Choreography: Susanne Berggren, Raido Mägi, Mart Kangro, Amaia Urra, Raquel Ponce, Juan Domínguez, Tino Sehgal, Paul Gazzola, Frédéric Seguette, Mårten Spångberg, Alice Chauchat, Carlos Pez Gonzalez, Pirkko Husemann, Ion Munduate, Nadia Cusimano, Geoffrey Garrison, Kobe Matthys, Christine De Smedt, Anna Koch. Technical Direction: Bruno Pocheron. Music: Léonard de Léonard Management/Organisation: Petra Roggel and Alexandra Wellensiek. Production: in situ productions (D) and Le Kwatt (F) Coproduction: Berliner Festwochen Berlin, Gulbenkian Foundation — CAPITALS Lisbonne, Théâtre de la Ville Paris, Centre de Développement Chorégraphique Toulouse/Midi-Pyrénées, Kaaitheater Bruxelles, Ballett Francfort & TAT and Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Rousillon. With the support from: Hauptstadtkulturfonds Berlin, Podewil and TanzWerkstatt Berlin Thanks to: Pierre Le Roy (Le Kwatt administration), Jocelyne Le Roy (Skirts confection), Stefan Pente, Mugatxoan-Arteleku, Spring Dance Festival 2001, "I will never let you go" (Panacea Stockholm 2001). Press Frankfurter Allgemeine Zeitung, Kultur 20.3.2003 by Gerald Siegmund Xavier Le Roy rehearses his new piece, "Project", in the Bockenheimer Depot In the side aisles of the Bockenheimer Depot, dancers warm up for the forthcoming rehearsal. A few toss a ball on stage and chase one another across the playing surface. On all four sides, loud speakers mark goals. Xavier Le Roy gives a few last comments before the run through. He makes suggestions as to how to begin and things to try out today. In the next 90 minutes, the dancers present in clearly defined scenes a small soccer game, a round of handball, and a game called "Corners." Each time all four players on a team succeed in simultaneously occupying the four goals, they stretch their arms in the air and yell: "corners!" The first row was converted without further ado into a provisional bench. Parts of costumes are hung over the backs of seats. The dancers not on stage observe their colleagues’ play from the bench. After each round, someone stands up and announces the scores over a microphone. The choreographer Xavier Le Roy, who lives in Berlin, is testing his latest piece, "Project", in Bockenheimer Depot. Anyone familiar with him knows not to expect a conventional dance piece. With works like "Self-Unfinished" or the lecture "Product of Circumstances," he has in the past repeatedly challenged our accepted ways of seeing and our concept of dance. "Project" is the result of long years of research that began in 1998 in a gymnasium in Berlin. Outside of theater halls and stages, Le Roy wanted at the time to initiate an open situation in which dancer and audience could constantly change roles. This finally developed the possibility that instead of the choreographic process being steered from the outside under the watchful eye of the choreographer, the situation would be allowed to organize itself from within. "E.X.T.E.N.S.I.O.N.S.", as the project was called, was based on the view of the body as a kind of interface between different social practices. Because we are all physical beings and can only experience through our bodies, we also produce knowledge with and through the body. In the years following, Le Roy held workshops in various cities from Hong Kong to Utrecht, all the while continuing to approach a conventional performance situation. Last year in Berlin the decision was made to develop from the material and questions choreography actually able to be performed in a theater before an audience. Before the premiere in Lisbon in the coming September, Frankfurt audiences have the opportunity to take part in the open work process at the Bockenheimer Depot on two evenings. For Le Roy, the game is an opportunity to reflect on the conditions of performance. What soccer playing and playing theater have in common is that they are both non-useful and function according to consensus and certain rules. The point of soccer, nevertheless, is to win; the point of theater is to communicate ideas. With Xavier Le Roy, communication detaches from whatever content is represented. Instead, the forms of interaction, and the exchanges of positions and decisions made during play on stage are pushed into the foreground. According to Le Roy, this has caused astonishment for some audience members in the past. If they were expecting to be presented with a fiction in the theater, they instead saw dancers playing ball and having fun as well. "By playing, we attempt to produce a situation in which the dancers become absorbed in what they are presently doing and are removed as much as possible from theater and the playing of a role." Of course one is still in the theater; for Le Roy, this tension is precisely the point. "The interesting question is what happens when we go into the theater with an open playing structure. What makes the performance situation a kind of representation? Choreography produces a work, a dance piece that nevertheless leads only a virtual existence. For it to be, we must perform it, we must play it like a game. Only if it is played or performed does it exist. The question for me is: what in this situation was already there as choreographic rules before, and what comes from the application of the rules?" A continuous process of exchange by which the social rules of interpersonal behavior repeatedly produce, scrutinize and possibly alter — therein lies for him the nature of the performing that also determines our everyday. It is therefore important for him to bring the audience into the process. With each scene one may observe how, through the alteration of certain rules, they approach theater, only to immediately distance themselves once again. At times music is played over the game; at another time the dancers attempt to make eye contact with the audience. Suddenly, the tempo slows and the stage empties until only one dancer remains. She performs a movement she has definitely performed at least once before. But this time she does not hold a ball in her hand. Without the functional equipment, the movement comes off in a completely different way. At 6 p.m. today and tomorrow, Xavier Le Roy opens the doors to the Bockenheimer Depot for an audience for his "Project". The group will present the latest stage of the rehearsal in a run through. Afterwards, the audience will have the possibility to discuss what they have seen with the group. (Translation: Geoffrey Garrison) Terms / Technical Rider 1- Short description of "Project", in relation to the technical setting The stage is used as stage and as sports field. 4 goals are materialized by 8 sound monitors (2 stage left, 2 stage right, 2 fronts, 2 back). The 14 to 20 performers go back and forth from the stage/field to their waiting position located in the first row of audience seats (which has in consequence to be blocked to the spectators). Those ways between first row and stage have to be fast (they "jump" into the game). The ideal situation is when stage and first raw for the audience are at the same level. In case of a high stage, a step has to be build on the whole width of the stage (ideal is when stage and first row for the audience are at the same level). As the performers need to communicate directly with the person running sound and light during the show, light- and soundboard have also to be installed in the first row of audience seats. 2- Technical description, material list 2.A-Stage - minimum stage: 16 m wide by 14 m deep. - grey or white marley, very clean, on the whole stage. - when the walls around the stage allow it (aesthetically), no curtains. When not, straight black box, no wings. - in the case of a high stage, a step has to be build on the whole width of the stage, on a height of the half of the stage's height, and around 60 cm deep (to be discuss according to each situation). - no access for the audience to the 1st row of seats which is used for the performers and the technical booth (right or left according to the access for the entrance of the audience). - an access to dressing rooms is necessary during the show from the backstage right and/or left. 4 to 6 linear meters of clothes hangers have to be set in those dressing rooms. - some glow tape for markings. 2.B-Light - a strong and homogenous white wash on the whole stage. - light on the audience controlled from the light board. - in the case of a black box, blue lights behind the curtains on dimmer. An appropriate list of material and light plot will be established for each venue Lightning-Plan as Pdf-file: (download) 2.C-Sound - 8 identical monitors around 60 cm high. As part of the set they really have to be identical. they are used by pairs and materialize the goals of the games played onstage (2 stage left, 2 stage right, 2 front, 2 back) . They are also used as real sound monitors. Remark: the balls used to play are soft balls, there is no risk to damage the speakers - a frontal PA system for the audience room - 2 cd players (burned cd friendly !) - 2 voice mikes (type SM 58) on stands (front stage right and left) - 2 wireless voice mikes - an area of about 8 m by 2 m, around 3 m from the 0 line of front stage has to be amplified by atmosphere mikes (appropriate solutions will be considered for each venue) - mixboard installed in the first row fo audience, not too big is important, digital (yamaha O3D for instance) is good 3- Timetable D-2: set up D-1: morning: set up, afternoon: general rehearsal D: technical corrections and rehearsal, evening: performance 4- Précisions An extra rehearsal space should be available on days D-1 and D when the stage is not available Dressing rooms for 14 to 19 dancers. Access to washing machine, dryer and ironing device. 1 liter water per day and per person Duration of the piece: ca. 60 min. No access for late spectators after the beginning of the show. Technical coordination: Bruno Pocheron bpmonkey68@yahoo.com +49 171 917 9771 Production management: Alexandra Wellensiek a.wellensiek@gmx.de +49 177 29 58 324 Please note: The piece "Project" is registered at the SACD, France. The Music is registerd at GEMA (for Germany). Music: Composer: Léonard de Léonard. Album: "Léonizer Fever". Title: "Crack it". Disc: Léonard de Léonard, Léonizer Fever-P&C FreeComplex 2003 / Editions musiques hybrides – 7 compactés. Music compagnie: free Cx / MH. Duration: 2 min. 46 sec. Synopsis "Projet" est une chorégraphie qui montre qu’une chorégraphie est plus qu’une simple chorégraphie. Initiée par Xavier Le Roy en 1999, ce travail a commencé comme une investigation sur les relations entre les productions, les processus et les produits dans le champ de la danse et du théâtre. De quelle façon les conditions de production déterminent-elles ce que nous produisons ? Peut-on séparer la représentation du corps de la façon dont celle-ci rend possible sa manifestation? Quel impact ont nos structures de travail - sociales, politiques et économiques - sur notre compréhension du corps ? De quelle façon forment-elles, limitent-elles, et conditionnent-elles le contenu de notre travail ? De nouveaux modes de production peuvent-ils mener à différents types de mouvements et de représentations du corps ? Entre 1999 et 2002, E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. était une expérimentation collective sur le processus du processus. Ces explorations se déroulaient sous forme de stages, de sessions de travail ou d’événements dans des lieux différents avec des gens différents. E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. proposait et produisait des situations de travail qui, en interrogeant, en remodelant et en renversant, tous les paramètres qui déterminent la production, ont transformé tout le processus de travail en son propre produit : faire et réfléchir, essayer et présenter ; il n’y avait plus de séparation entre l’objet et son contexte, entre l’action, la recherche, la répétition, entre la production et la présentation publique - l’ambition était de travailler sur tous ces paramètres en même temps. Pendant ces recherches, les notions de jeux sont devenues des outils, des motifs et des méthodes au coeur de ce travail. En tant que pratiques sociales les jeux offrent de nouvelles perspectives aussi bien sur des pratiques théâtrales que sociales. Avec leur capacité de nous affecter comme aucun autre domaine social, ils sont des constructions fictives qui en même temps, produisent une réalité culturelle et sociale. Ces constructions au sein de constructions sont devenues à la fois cadre, outil de travail et principe chorégraphique, en d’autres termes: des jeux organisent des mouvements selon des règles. Les règles peuvent être utilisées comme moyen de communication, elles désorganisent et réorganisent la constellation de personnes dans une situation qui n’est ni déterminée à l’avance, ni fixée (par le chorégraphe), ou qui n’est pas une scène improvisée comprise comme une somme de décisions individuelles. La chorégraphie se déploie comme une situation‚ dont la composition dépend aussi bien des règles que de leur utilisation, et des différentes tactiques et stratégies individuelles. Par conséquent, elle dépend des choix et des décisions prises par les joueurs individuels. Donc même composée, elle reste toujours ouverte et flexible. Là où le jeu devient chorégraphie et la chorégraphie se change en jeux, d’autres dé- et reterritorialisations émergent : les performers sont simultanément acteurs, joueurs, interprètes ; la chorégraphie devient un mode de faire, de voir et de comprendre; et entre ces espaces, quelque chose comme de la subjectivité peut éventuellement se mettre en place. De E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. à Projet la scène fait de nouveau son entrée. Projet ramène la performance au dispositif du théâtre, à l’univers du spectacle là où tout a commencé sous la forme d’interrogations des notions telles que production et produit. Maintenant la délocalisation intervient sur un autre plan et elle ouvre le champ de la production d’une pièce à sa perception, comme étant, si l’on peut dire, un processus secondaire de la production. Les questions sont celles posées par les modes d’échange avec un public, les types de perceptions et les conventions de la communication. Alors que se passe-t-il lorsque nous observons des gens qui jouent à des jeux dans le théâtre ? Ils jouent et ils jouent à jouer, ils interprètent et ils jouent à interpréter les règles du jeu ainsi que les conventions du théâtre. Ce qui a commencé, comme jouer un jeu, termine comme un jeu de théâtre. Maintenant la question est-elle de gagner? Dorothea von Hantelmann Credits Conception: Xavier Le Roy Chorégraphie: Susanne Berggren, Raido Mägi, Mart Kangro, Amaia Urra, Raquel Ponce, Juan Domínguez, Tino Sehgal, Paul Gazzola, Frédéric Seguette, Mårten Spångberg, Alice Chauchat, Carlos Pez Gonzalez, Pirkko Husemann, Ion Munduate, Nadia Cusimano, Geoffrey Garrison, Kobe Matthys, Christine De Smedt, Anna Koch. Direction technique: Bruno Pocheron. Musique: Léonard de Léonard Management/Organisation: Petra Roggel et Alexandra Wellensiek Production: in situ productions (D) et Le Kwatt (F) Coproduction: Berliner Festwochen Berlin, Gulbenkian Foundation — CAPITALS Lisbonne, Théâtre de la Ville Paris, Centre de Développement Chorégraphique Toulouse/Midi-Pyrénées, Kaaitheater Bruxelles, Ballett Francfort & TAT et Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Rousillon. Avec le soutien de: Hauptstadtkulturfonds Berlin, Podewil et TanzWerkstatt Berlin Remerciements à: Pierre Le Roy (Le Kwatt administration), Jocelyne Le Roy (confection des jupes), Stefan Pente, Mugatxoan-Arteleku, Spring Dance Festival 2001, "I will never let you go" (Panacea Stockholm 2001). Press Frankfurter Allgemeine Zeitung, Kultur 20.3.2003 par Gerald Siegmund Xavier Le Roy repète sa nouvelle pièce "Projet" devant des spectateurs au Bockenheimer Depot Dans les couloirs du Bockenheimer Depot, les danseurs s‘échauffent pour la répétition à venir. Sur scène, certains se lancent un ballon et se chassent à travers le terrain de jeu. Sur chacun des quatre côtés des haut-parleurs forment des buts. Avant le début du filage, Xavier Le Roy donne des dernières indications. Il fait des propositions: comment débuter; ce qu’on pourrait essayer aujourd’hui. Durant les 90 minutes, à travers des scènes bien distinctes les unes des autres, les danseurs jouent un match de foot, puis au handball et à un autre jeu s’appelant "Corners". Chaque fois que les quatre joueurs d’une équipe ont réussi à se placer en même temps entre les quatre buts, ils lèvent les bras en l‘air et crient "Corners". Sans façon, le premier rang est changé en banc de touche. Des pièces de costumes sont posées sur les dossiers des chaises. Les danseurs qui à ce moment-là ne se trouvent pas sur scène viennent s’y asseoir et observent le jeu de leurs partenaires. A la fin de chaque match quelqu’un s’élève et annonce le score devant un micro. Le chorégraphe Xavier Le Roy qui vit à Berlin essaie sa nouvelle pièce "Projet" au Bockenheimer Depot. Ceux qui le connaissent savent qu’il ne faut pas s’attendre à une pièce de danse conventionnelle. Avec des travaux comme "Self-Unfinished" ou bien la conférence "Produit de Circonstances" à plusieurs reprises dans le passé il avait provoqué nos habitudes de perception et nos idées sur ce qu‘est la danse. "Projet" est un des résultats d’une recherche de longue haleine, qui a débuté en 1998 dans un gymnase.à Berlin A l’époque, loin des théâtres et des salles de répétitions, Le Roy voulait créer des situations durant lesquelles parfois, le danseur et le spectateur pouvaient échanger leurs rôles. Mais surtout, ce dispositif devait permettre de faire surgir des possibilités de processus de productions chorégraphiques non dirigés de l’extérieur par l’oeil attentif d’un chorégraphe mais au contraire s’organisant de l’intérieur de façon inhérente aux situations mises en places. "E.X.T.E.N.S.I.O.N.S.", comme se nommait cette recherche, se fondait sur l’idée que le corps est une sorte d‘interconnexion entre diverses pratiques sociales. Êtant des êtres corporels et ne pouvant faire des expériences qu’avec notre corps, nous produisons un savoir par et sur lui. Les années suivantes, Le Roy a donné des stages dans différents festivals aussi bien à Hong Kong qu’à Utrecht et cela l‘a approché de plus en plus à questionner une situation de présentation conventionnelle. Ainsi l’année dernière à Berlin, la décision a été prise de développer une chorégraphie, qui effectivement pourrait être présentée à un public dans un espace de théâtre. Avant la première en septembre prochain à Lisbonne, le public de Francfort aura l’occasion pendant deux soirs au Bockenheimer Depot de participer au processus de ce travail. Pour Le Roy, le jeu donne la possibilité de réfléchir aux conditions de la performance. Ce que le jeu de foot et le jeu du théâtre ont en commun, c’est d’être libre d’une finalité qui fonctionne sur la base de certaines règles et certains accords. Alors que la finalité du football est de gagner, s’agit-il plutôt au théâtre de communiquer des idées. Chez Xavier Le Roy, les situations d’une communication se détachent du contenu possible représenté. A sa place se met en avant la forme de l’interaction, de l’échange des attitudes et des décisions qui sont prises sur scène lors du jeu. Parfois dans le passé, comme le dit Le Roy, certains spectateurs s‘en trouvaient dérangés. Ils s’attendaient, parce qu’ils étaient au théâtre, à ce qu’on leur présente une fiction; tout d’un coup ils regardaient des danseurs qui jouaient au ballon et qui y prenaient même plaisir. " A travers les jeux, on essaie de produire des situations dans lesquelles les danseurs se prennent au jeu et sont le plus possible éloignés du théâtre et du fait de jouer un rôle." Et quand bien même, il est évident qu’on se trouve au théâtre: est c’est justement cette relation à laquelle s’intéresse Le Roy. "La question intéressante est: qu’est-ce qui se passe, si on va au théâtre avec une structure de jeux et que l’on joue à ces jeux. Qu’est-ce qui fait q‘une situation de spectacle devient une représentation? Une chorégraphie produit une œuvre, une pièce de danse mais qui mène une existence virtuelle, explique Xavier Le Roy. "Pour exister, pour être il faut que cette chorégraphie soit présentée, il faut qu’elle soit jouée comme un jeu, elle n‘existe qu’en la jouant ou en la présentant. Dans cette situation, je me pose alors la question, quelles parts des règles chorégraphiques existaient déjà avant et qu’est-ce qui vient s’y ajouter en les pratiquant? " Les règles sociales du comportement envers autrui sont réexaminées et éventuellement changées dans un processus continu de l’échange où elles se renouvellent continuellement, — voilà où se trouve pour Le Roy l’essence performative qui prédomine notre quotidien. C’est pour cette raison que pour lui, il est important d’impliquer le public dans ce processus. Ainsi on peut observer avec chaque scène, de quelle façon en changeant certaines règles, elles s’approchent du théâtre, pour s’en éloigner aussitôt après. Quelquefois la musique porte les jeux, les danseurs échangent des regards avec les spectateurs. Tout d’un coup le temps se ralenti, la scène se vide jusqu’à ce qu’il ne reste qu’une danseuse. Elle fait un mouvement que certainement elle avait déjà fait auparavant. Mais cette fois-ci, elle ne tient pas de ballon. Sans la visée fonctionnelle, le mouvement prend un caractère tout autre. A partir d’aujourd’hui Xavier Le Roy ouvre pour son "Projet" les portes du Bockenheimer Depot au public. Lors d’un filage le groupe présentera d’abord l’état actuel des répétitions, ensuite le public aura l’occasion de discuter avec le groupe sur ce qu’il a vu. Irène Filiberti Projet Les jeux sont-il faits? Xavier Le Roy ne cherche pas à livrer les secrets de l’influence du système de production sur le travail artistique. Mais si le danseur et chorégraphe français installé à Berlin s’est lancé dans une création de grande dimension intitulée Projet, c’est tout de même en y réfléchissant longuement. Aussi cette nouvelle pièce, répondant au doux nom de projet — terme incontournable pour qui cherche à s’investir — est-elle la mise à l’épreuve d’un concept signé Xavier Le Roy dans un espace théâtral. La chorégraphie n’est plus le fait d’un seul chorégraphe mais de 19 artistes de tous pays réunis sur le plateau. Autrement dit, si depuis les années 80, en Europe, le mot ´danseurª a peu à peu été remplacé par celui d’interprète dans le vocabulaire de la danse contemporaine, il disparaît complètement avec cette nouvelle redistribution des rôles. Peut-on interroger à ce point la définition d’un statut, les pratiques d’un système et l’élaboration de son langage ? Le tout à travers une représentation et sa réception par le public? Xavier Le Roy, coordinateur subtil, expert en maniements de concepts, n’en est plus à sa première expérimentation. Parmi ses différentes pièces, souvent réalisées en solo, figure Self-Unfinished ( créé en 1998 et présenté par le Théâtre de la Ville en 2000). Mémorable proposition révélant un corps aux configurations étranges tour à tour mécanique, animal, dédoublé. Une réflexion entre phénomènes optiques et métamorphoses corporelles dont le caractère ludique et inquiétant s’approchait du conte et des jeux d’enfants. Après une série de pièces singulières structurées pour la plupart sous forme d’autoportraits, Xavier Le Roy, par ailleurs docteur en biologie moléculaire, s’est intéressé aux possibles déploiements de sa recherche. Aussi s’est-il fait l’instigateur, avec d’autres collaborateurs artistiques (Jérôme Bel complice de ses jeux de langages et d’interprétation; Laurent Goldring, plasticien dont les chantiers ouverts convient différents artistes à interroger l’image, l’espace et le corps) d’événements où se rencontrent artistes et scientifiques. Une de ces initiatives était baptisée E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. commencée en 1999. Les questions surgies lors des différentes sessions de ce travail, ont mené Xavier Le Roy à ce nouveau dispositif. Projet est un espace chorégraphique qui développe ses actions entre fiction et réalité. Dans la blancheur électrique des lumières, un premier thème se décline, autour de la notion de jeu. De la présence de l’acteur aux jeux tout court. Le français ne possède pas la subtile distinction de la langue anglaise entre play et game. Des jeux donc entre l’écriture et l’improvisation, l’implication et la distance, le langage et ses matières. Un nouveau travail "sur la construction de nos subjectivités et leur rapport aux règles sociales". Fiche technique 1- Courte description de PROJET, en relation à la mise en place technique La scène est utilisée comme scène et terrain de jeux. 4 "cages de but" sont signifiées par 8 moniteurs audio (2 cour, 2 jardin, 2 face, 2 lointain). Les performers (entre 14 et 20 personnes) vont et viennent sans cesse du terrain/scène à leur "banc de touche": le 1er rang du public qui doit donc être condamné au public. Les déplacements du premier rang du public à la scène doivent être rapides; l’idéal est un plateau de scène au même niveau que le premier rang du public, donc dans le cas d'une scène surélevée, une marche devra être aménagée sur toute la largeur du plateau. Les performers doivent pouvoir communiquer directement avec la personne opérant son et lumière, ce qui nécessite l'installation des régies son et lumière également au premier rang du public, à cour ou à jardin, en fonction des accès public à la salle. 2- Description technique, liste de matériel 2.A-Plateau - dimensions minimum: ouverture 16 m, profondeur 14 m - tapis de danse gris ou blanc très propre sur toute la surface du plateau - si la cage de scène est visuellement sobre et dépouillée, murs nu, sinon pendrillonage noir à l'allemande, avec des entrées cour et jardin au lointain - si la scène n'est pas de plein pied avec la salle, construction d'une marche sur la totalité de l'ouverture, de la moitié de la hauteur de la scène et d' environ 60 cm de profondeur (à discuter et à adapter selon chaque situation) - condamnation au public du premier rang qui sera utilisé par les performers - installation des régies son et lumière à cour ou à jardin du premier rang (en fonction de la situation des accès public) - un accès à des loges rapides est nécessaire en cours de spectacle, fond de scène cour et/ou jardin. 4 à 6 m de portants à costumes dans ces loges rapides - adhésif phosphorescent pour marquages au sol 2.B-Lumière - un plein feu fort et homogène sur toute la surface du plateau - lumière du public graduée depuis le jeu d'orgue - bleus en coulisse dans le cas d'un pendrillonage à l'allemande Une liste et un plan de feu adaptés seront établis en fonction des théâtres Plan de lumière: (download) 2.C-Son - 8 moniteurs identiques de type bain de pied, d'environ 60 cm de haut. Il est important que ces moniteurs soient identiques car ils sont des éléments de scénographie. Utilisés par paires (2 cour, 2 jardin, 2 face et 2 lointain), ils figurent 4 "cages de but" utilisées dans les jeux joués sur scène. Ils fonctionnent également en temps que moniteurs. Remarque : les balles utilisées pour les jeux sont en mousse il n’y pas de risque que celles-ci abîment les moniteurs - un système de diffusion frontal pour la salle (à voir en fonction des théâtres) - 2 lecteurs de cd acceptant les cd gravés - 2 micros voix (type SM 58) sur pied (situés face cour et face jardin) - 2 micros voix HF à main - amplification par des micros d'ambiance d'une zone d'environ 8m de large par 2m de profondeur, située à 2/3 m du bord plateau, centrée sur le milieu de scène, où se déroule une conversation entre les performers. Des solutions adaptées à chaque théâtre seront envisagées. - table de mixage compacte (un faible encombrement est important, la table étant installée au premier rang du public), si possible digitale (type yamaha O3D). 3- Organisation du temps J-2: montage, 3 services J-1: fin montage le matin, répétition générale l'après midi J: corrections, répétition, première 4- Précisions Un lieu de répétition sera nécessaire les jours J-1 et J lorsque la scène n’est pas disponible. Loges pour 14 à 19 danseurs. Accès à une machine à laver, un séchoir et un fer à repasser. 1 litre d’eau par jour et par personne. Durée de la pièce: ca. 60 min. Pas d’entrée après le début du spectacle Coordination technique: Bruno Pocheron bpmonkey68@yahoo.com +49 171 917 9771 Responsable de production: Alexandra Wellensiek a.wellensiek@gmx.de +49 177 29 58 324 A noter: La pièce "Projet" est enregistrée à la SACD, France La Musique devra être enregistrée à la GEMA (pour l’Allemagne) ou à une institution equivalente Musique: Compositeur: Léonard de Léonard. Album: "Léonizer Fever". Titre: "Crack it". Disc: Léonard de Léonard, Léonizer Fever-P&C FreeComplex 2003 / Editions musiques hybrides – 7 compactés. Music compagnie: free Cx / MH. Durée: 2 min. 46 sec. Exposé "Projekt" ist eine Choreographie die zeigt, dass eine Choreographie mehr ist als eine Choreographie. Initiiert von Xavier Le Roy begann das Projekt 1999 als ein künstlerisches Forschungsprojekt über die Beziehungen zwischen Produktion, Prozess und Produkt im Tanz und Theater. Inwiefern bestimmt die Art, wie wir etwas produzieren, was wir produzieren? Ist die Darstellung eines Körpers trennbar von dem Vorgang, der dieser Repräsentation Realität verleiht? Haben unsere sozialen, politischen und ökonomischen Arbeitsbedingungen Einfluss auf unser Verständnis von Körpern? Auf welche Weise formen, begrenzen und bedingen sie den Inhalt unserer Arbeit? Können neue Formen des Arbeitens zu neuen Formen der Bewegung und der Darstellungen von Körpern führen? Unter dem Titel E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. fand zwischen 1999 und 2002 an unterschiedlichen Orten und mit unterschiedlichen Teilnehmern eine Serie von Workshops statt. Die Workshops fungierten eher als Arbeitssituationen, als eine Art kollaboratives Experiment mit dem Prozess des Prozesses, in dem alle Parameter einer Produktion umgekehrt und neu definiert wurden: Der Arbeitsprozess selbst wurde zum Produkt der Arbeit; es gab keine Trennung zwischen dem Objekt und seinem Kontext, zwischen Handlung und theoretischer Reflexion, zwischen Probe und öffentlicher Präsentation - die Idee war, mit all diesen Parametern gleichzeitig zu arbeiten. Spiele wurden zum zentralen Werkzeug, zum Thema und zur Methode des Projekts. Als eine performative Praxis bietet die Idee des Spiels neue Perspektiven sowohl auf theatrale wie auch auf gesellschaftliche Vorgänge. Mit der Möglichkeit zu affizieren, wie es in dieser Form wohl keinem anderen gesellschaftlichen Bereich gegeben ist, sind Spiele fiktive Konstrukionen, die aber zugleich soziale und kulturelle Realitäten herstellen können. Als "Konstruktionen innerhalb von Konstruktionen" wurden Spiele zum Rahmen, Werkzeug und zum choreographischen Prinzip. Spiele organisieren Bewegung innerhalb eines bestimmten Regelfeldes. In dem Spiel-als-Choreographie sind Regeln eine Möglichkeit zu kommunizieren. Sie organisieren eine Konstellation von Leuten in einer Situation, die weder vorgegeben (durch den Choreographen) noch eine Improvisation (als Summe individueller Entscheidungen) ist. Die Choreographie des Stückes entwickelt sich entsprechend als eine Situation, die sowohl von Regeln abhängt, als auch von ihrem individuellen Gebrauch, von Taktiken und Strategien, von den jeweiligen Entscheidungen der einzelnen Spieler. So ist die Konstellation durch Regeln gerahmt und dennoch immer offen und flexibel - ein geregeltes und innerhalb dieser Regeln offenes Spiel mit körperlichen Affekten und Effekten. Und wenn das Spiel zur Choreographie wird und die Choreographie zum Spiel, entstehen daraus weitere De- und Reterritorialisierungen: Performer sind gleichzeitig Spieler, Schauspieler und Interpreten; die Choreographie wird zum Modus des Handelns, Wahrnehmens und Verstehens, - und in dem Raum dazwischen entsteht vielleicht so etwas wie Subjektivität. Auf dem Weg von E.X.T.E.N.S.I.O.N.S. zu Projekt kam die Bühne wieder ins Spiel. Projekt bringt die Aufführung zurück an den Ort des Theaters, zurück in den Bereich, an dem alles anfing. Wenn es also am Anfang darum ging, Ideen von Produktion und Produkt zu hinterfragen, dann finden diese Fragen jetzt auf einer anderen Ebene statt. Sie verschieben sich von der Produktion des Stücks zu seiner Wahrnehmung, zu einem, wenn man so will, sekundären Produktionsprozess. Hinterfragt wird jetzt das Verhältnis zum Publikum, seine Wahrnehmung und Kommunikation mit der Bühne. Was passiert also, wenn wir im Theater Leuten beim Spielen zugucken? Sie spielen und sie schau-spielen, sie performen und sie performen - die Regeln des Spiels und die Konventionen des Theaters. Was als ein Spiel des Spiels beginnt, endet als ein Spiel des Theaters. Bleibt die Frage, ob es dennoch darum geht zu gewinnen. Dorothea von Hantelmann Credits Konzept: Xavier Le Roy Choreographie: Susanne Berggren, Raido Mägi, Mart Kangro, Amaia Urra, Raquel Ponce, Juan Domínguez, Tino Sehgal, Paul Gazzola, Frédéric Seguette, Mårten Spångberg, Alice Chauchat, Carlos Pez Gonzalez, Pirkko Husemann, Ion Munduate, Nadia Cusimano, Geoffrey Garrison, Kobe Matthys, Christine De Smedt, Anna Koch Technik: Bruno Pocheron Musik: Léonard de Léonard Management/Organisation: Petra Roggel und Alexandra Wellensiek Produktion: in situ productions (D) und Le Kwatt (F) Koproduktion: Berliner Festwochen Berlin, Gulbenkian Foundation — CAPITALS Lissabon, Théâtre de la Ville Paris, Centre de Développement Chorégraphique Toulouse/Midi-Pyrénées, Kaaitheater Brüssel, Ballett Frankfurt & TAT und Centre Chorégraphique National de Montpellier Languedoc-Rousillon Mit Unterstützung von: Hauptstadtkulturfonds Berlin, Podewil und TanzWerkstatt Berlin Dank an: Pierre Le Roy (Le Kwatt Administration), Jocelyne Le Roy (Rockverarbeitung), Stefan Pente, Mugatxoan-Arteleku, Spring Dance Festival 2001, "I will never let you go" (Panacea Stockholm 2001) Presse Frankfurter Allgemeine Zeitung, Kultur 20.3.2003 von Gerald Siegmund Xavier Le Roy probt sein neues Stück "Projekt" im Bockenheimer Depot In den Seitengängen des Bockenheimer Depots wärmen sich Tänzer für die bevorstehende Probe auf. Ein paar werfen sich auf der Bühne einen Ball zu und jagen sich über die Spielfläche. An jeder der vier Seiten markieren Lautsprecherboxen Tore. Xavier Le Roy gibt letzte Anweisungen vor dem Probedurchlauf. Er macht Vorschläge, wie man anfangen könnte und was man heute ausprobieren möchte. In den kommenden 90 Minuten präsentieren die Tänzer in klar voneinander abgetrennten Szenen ein kleines Fußballspiel, eine Runde Handball und ein Spiel namens "Corners". Jedesmal, wenn es die vier Spieler einer Mannschaft geschafft haben, sich gleichzeitig zwischen die vier Tore zu plazieren, strecken die Arme in die Luft und rufen "Corners". Die erste Reihe wird kurzerhand zur Ersatzbank umfunktioniert. Kostümteile werden über die Stuhllehen gehängt. Die Tänzer, die nicht gerade auf der Bühne sind, nehmen dort Platz und beobachten das Spiel ihrer Kollegen. Nach jeder Runde steht jemand auf, und verkündet an einem Mikrophon den Punktestand. Der in Berlin lebende Choreograph Xavier Le Roy probiert im Bockenheimer Depot sein neues Stück "Projekt". Wer ihn kennt, weiß, daß man von ihm kein konventionelles Tanzstück erwarten darf. Mit Arbeiten wie "Self-Unfinished" oder der Vorlesung "Product of Circumstances" hat er in der Vergangenheit unsere Sehgewohnheiten und Vorstellungen von dem, was Tanz ist, immer wieder herausgefordert. "Projekt" ist das Ergebnis einer langjährigen Recherche, die 1998 in Berlin in einer Turnhalle begann. Abseits von Theatersälen und Probebühnen wollte Le Roy damals eine offene Situation erzeugen, in der Tänzer und Zuschauer ständig die Rollen tauschen konnten. Daraus entwickelten sich schließlich Möglichkeiten, den choreographischen Prozeß nicht von außen durch das wachsame Auge eines Choreographen zu steuern, sondern sich aus der Situation heraus von innen selbst organisieren zu lassen. "E.X.T.E.N.S.I..O.N.S.", wie das Projekt hieß, lag die Einsicht zugrunde, daß der Körper eine Art Schnittstelle zwischen verschiedenen gesellschaftlichen Praktiken ist. Weil wir alle körperliche Wesen sind und nur mit unserem Körper Erfahrungen machen, produzieren wir mit und über ihn auch Wissen. In den folgenden Jahren hat Le Roy auf verschiedenen Festivals von Hong Kong bis Utrecht Workshops abgehalten und ist dabei immer näher an eine konventionelle Aufführungssituation herangerückt. Im vergangenen Jahr ist dann in Berlin die Entscheidung gefallen, aus den Fragen und dem Material eine Choreographie zu entwickeln, die tatsächlich in einem Theaterraum vor Publikum aufgeführt werden kann. Bevor kommenden September in Lissabon Premiere sein wird, erhält das Frankfurter Publikum nun an zwei Abenden im Bockenheimer Depot Gelegenheit, am dem offenen Probenprozeß teilzunehmen. Für Le Roy ist das Spiel eine Möglichkeit, über die Bedingungen der Performance nachzudenken. Was das Fußballspielen und das Theaterspielen gemeinsam haben, ist ihre Zweckfreiheit, die auf der Basis bestimmter Regeln und Übereinkünfte funktioniert. Geht es beim Fußballspielen jedoch ums Gewinnen, geht es im Theater eher um die Kommunikation von Ideen. Bei Xavier Le Roy löst sich die Kommunikationssituation von möglichen Inhalten, die dargestellt werden. Statt dessen rückt die Form des Interagierens, des Austauschs von Haltungen und Entscheidungen, die während des Spiels auf der Bühne getroffen werden, in den Vordergrund. Das habe, so Le Roy, bei einigen Zuschauern in der Vergangenheit schon Befremden ausgelöst. Hatten sie erwartet, im Theater eine Fiktion präsentiert zu bekommen, sahen sie plötzlich Tänzern zu, die Ball spielten und dabei auch noch Spaß hatten. "Wir versuchen mit den Spielen Situationen herzustellen, in denen die Tänzer ganz in dem was sie gerade tun, aufgehen und so weit wie möglich entfernt sind vom Theater und dem Spielen einer Rolle." Natürlich ist man doch im Theater, und genau um diese Spannung geht es Le Roy. "Die interessante Frage ist, was passiert, wenn wir mit einer offenen Spielstruktur ins Theater gehen. Was macht die Aufführungssituation zu einer Art der Repräsentation? Eine Choreographie produziert ein Werk, ein Tanzstück, das jedoch lediglich eine virtuelle Existenz führt. Um zu sein, müssen wir es aufführen, müssen wir es spielen wie ein Spiel. Nur wenn es gespielt oder aufgeführt wird, existiert es. Für mich stellt sich dann die Frage, was war in dieser Situation an choreographischen Regeln schon vorher da und was kommt bei der Anwendung der Regeln hinzu?" Ein kontinuierlicher Prozeß des Austauschs, bei dem sich die gesellschaftlichen Regeln des Umgangs miteinander immer wieder neu herstellen, überprüfen und möglicherweise verändern — darin liegt für ihn das Wesen der Performativität, die auch unseren Alltag bestimmt. Deshalb ist es für ihn wichtig, das Publikum in diesem Prozeß mit einzubeziehen. So kann man mit jeder Szene beobachten, wie sie durch das Verändern von bestimmten Regeln näher ans Theater heranrücken, nur um sich gleich darauf wieder davon zu entfernen. Mal überhöht Musik die Spiele, mal suchen die Tänzer Blickkontakt mit den Zuschauern. Plötzlich verlangsamt sich das Tempo und die Bühne leert sich, bis nur eine Tänzerin übrigbleibt. Sie führt eine Bewegung aus, die sie bestimmt vorher auch schon einmal gemacht hat. Doch diesmal hält sie keinen Ball in der Hand. Ohne die funktionale Ausrichtung wirkt die Bewegung vollkommen anders. Heute und morgen um 18 Uhr öffnet Xavier Le Roy für sein "Projekt" die Tore des Bockenheimer Depots für das Publikum. Die Gruppe wird zunächst den aktuellen Probenstand in einem Durchlauf vorstellen. Danach erhalten die Zuschauer die Möglichkeit, sich über das Gesehene mit der Gruppe auszutauschen. Konditionen/ Technik 1- Kurzbeschreibung von "Projekt" in Zusammenhang seiner technischen Umsetzung Die Bühne wird als Bühne sowie als Spielfeld genutzt. 4 Fussballtore werden durch 8 identische Audiomonitore markiert (2 Bühne rechts, 2 Bühne links, 2 Bühne vorne, 2 Bühne hinten) Die Performer (zwischen 14 bis 20 Personen) wechseln ununterbrochen zwischen dem Spielfeld/Bühne und der Auswechselbank: damit ist die 1. Sitzreihe im Saal bezeichnet (die somit für das Publikum gesperrt sein muss). Das Wechseln von der ersten Sitzreihe auf die Bühne sollte schnell vonstatten gehen. Im Idealfall sollten Bühnenfläche und 1. Sitzreihe auf derselben Ebene liegen. Im Falle einer erhöhten Bühne, auf der gesamten Bühnenbreite eine Stufe vorgebaut werden müsste. Die Performer sollten die Möglichkeit haben, direkt mit der Person, die Ton und Licht fährt, kommunizieren zu können. Dies erfordert, dass Licht- und Tontechnik ebenfalls auf Höhe der 1. Sitzreihe aufgebaut werden. 2- Technische Beschreibung, Materialliste 2.A-Bühne - Minimalmaße: Breite 16 m, Tiefe 14 m - grauer oder weisser Tanzteppich, auf der gesamten Bühnenfläche sehr sauber - sind die Wände des Bühnenraums karg und schlicht, bleiben die Wände offen, ansonsten black box, ohne Wings mit zwei Eingängen an der Bühnenhinterseite, rechts und links - ist die Bühne nicht auf derselben Ebene wie der Zuschauerraum, muss eine halbhohe und 60 cm tiefe Stufe auf der gesamten Bühnenbreite gebaut werden. (genaue Anpassung erfolgt nach Rücksprache in der jeweiligen Situation) - Sperrung der 1. Sitzreihe, die von den Performern genutzt wird - Aufbau der Ton- und Lichttechnik auf der rechten oder linken Seite der 1. Sitzreihe (endgültige Seitenwahl erfolgt entsprechend der Saalzugänge) - während des Stücks wird ein Zugang zu den "quick change"-Garderobe, seitlich rechts und/oder links im hinteren Teil der Bühne benötigt. Dort Bereitstellung einer 4 bis 6m langen Kleiderstange - Glow tape/ Phospho-Klebeband für die Markierung auf dem Boden 2.B-Licht - Generallicht, stark und gleichmäßig auf der gesamten Bühnenfläche - Dimmbares Licht im Zuschauerraum, von Lichtpult aus gesteuert - im Falle einer black box, blaues Licht in den Kulissen Eine Scheinwerferliste sowie ein Lichtplan werden entsprechend des jeweiligen Theaters angefertigt. Lichtplan als Pdf-Dokument: (download) 2.C-Ton - 8 identische Bühnenmonitore, ca. 60 cm hoch. Es ist wichtig, dass diese 8 Monitore identisch sind, da sie Bestandteil des Bühnenbilds sind. Als Paar aufgebaut (2 Bühne rechts, 2 Bühne links, 2 Bühne vorne und 2 Bühne hinten), markieren sie 4 Fussballtore, die als solche für das auf der Bühne gespielten Spiel benutzt werden. Sie funktionieren ebenso als Lautsprecher. Bemerkung: die für das Spiel benutzen Bälle sind aus Schaumstoff, so dass keine Gefahr einer Beschädigung dieser Bühnenmonitore besteht. - Frontal PA für den Zuschauerraum (je nach Möglichkeiten des Theaters) - 2 CD-Player, der auch selbstgebrannte CDs akzeptiert - 2 Mikros für Stimme (Typ SM 58) auf Stativen (rechts und links vorne aufgestellt) - 2 drahtlose Handmikros - Verstärkung durch Stimmungsmikrophone auf einer Fläche von ungefähr 8m breit x 2m tief, 2-3 m entfernt vom vorderen Bühnenrand. Hiermit sollten Wortwechsel der Performer auf der Bühne verstärkt werden. Die endgültige Umsetzung erfolgt nach Möglichkeiten des jeweiligen Theaters. - Kompakt-Mischpult (möglichst unauffällig, da es auf Höhe der 1. Sitzreihe aufgebaut ist), wenn möglich digital (Typ Yamaha O3D). 3- Zeitplan Erster Tag: Aufbau, 3 Schichten Zweiter Tag: Aufbauende am Vormittag, Generalprobe am Nachmittag Dritter Tag: Korrekturen, Probe, 1. Vorstellung 4- Weiteres Ein Probenraum am zweiten und dritten Tag sofern die Bühne nicht frei ist - Garderoben für 14 bis 20 Performer - Zugang zu einer Waschmaschine, Trockner und einem Bügeleisen - 1 l Wasser pro Person/ Tag Dauer des Stücks: ca. 60 min. kein Nacheinlass Technische Koordination: Bruno Pocheron bpmonkey68@yahoo.com +49 171 917 9771 Produktionsleitung: Alexandra Wellensiek a.wellensiek@gmx.de +49 177 29 58 324 Bitte beachten: Das Stück "Projekt" ist bei der SACD, Frankreich angemeldet. Die Musik muss bei der GEMA angemeldet werden. Musik: Komponist: Léonard de Léonard. Album: "Léonizer Fever". Title: "Crack it", disc: Léonard de Léonard, Léonizer Fever-P&C FreeComplex 2003 / Editions musiques hybrides – 7 compactés Music compagnie: free Cx / MH. Dauer: 2 min. 46 sec.